<h2 id="he340cd4556">で、ローカットって必要なの？</h2>最近、ローカットが必要かどうか、なんていう話がTwitterでは定期的に盛り上がる（燃え上がる？）ということを知りました。 そんなの自分で音聴いて判断すればいいよねって感じなんですが（何重にもオブラートに包んだ表現）、じゃあ必要な場合どれくらいカットするの？という話を聞いてみるとすごく違和感がありまして。曰く、「音が変わらないところまで入れる」のがセオリーなのだとか。 ……他所のジャンルがどうなのか知らないんですが、HR/HMではそんな甘いこと言ってられません。 1分間にキックを800回踏むこともあるジャンルでは、低域はもっとスマートかつタイトでエレガントに処理する必要がある。また、それとは関係なく最近、日本のロックの音ってどんなのがトレンドなんだろう、と色々ピックアップして聴いてみたのですが。 どの音源を聴いてみても共通で感じたのは、低域の処理がなんか変じゃないか？ということ。 ベースの重心は妙に低いし、キックの重心はやたらと高い。 そのふたつはしっかり分けないと、キックのダイナミクスがわからなくなるよね……？ 予算のなさそうな音源だけでなく、メジャーどころの音源を聴いてもそう。と、そういう体験を経てふたつが繋がりました。 ミキシングでのローエンドの処理は、どうやら思っていたよりも軽んじられているんじゃないか、と。というわけで今回は、私のやり方でのローエンドの処理について話していこうと思います。<h2 id="h095179e75f">今回の参考音源</h2><div style="left: 0; width: 100%; height: 0; position: relative; padding-bottom: 56.25%;"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/HvHusss-pww?rel=0" style="top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%; position: absolute; border: 0;" allowfullscreen scrolling="no" allow="accelerometer; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share;"></iframe></div>ニューギアのお試しでさくっと作っただけの音源ですが、今回の解説に使えそうだなーと思ったので動画にしてみました。 このリフを元に曲を作る気はないので、手癖で。ミックスも小一時間で済ませた簡単なもの。 寝かせてもいないし細かく詰めてもいないのですが、今回の解説には使えると思います。関係ないのですが、ニューギアいいですね。さて何がニューギアでしょうか？ 気が向いたらいずれ紹介します。<h2 id="h2761d29643">ローカットしておらず、他にも低域の処理が甘い状態</h2><div style="left: 0; width: 100%; height: 0; position: relative; padding-bottom: 56.25%;"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/HvHusss-pww?rel=0&amp;start=23" style="top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%; position: absolute; border: 0;" allowfullscreen scrolling="no" allow="accelerometer; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share;"></iframe></div>チャプター機能を使っているので同じ動画で。 今回の解説の肝になる低域の処理が甘い状態です。違う部分は、ベースにHPFが入っていないことと、キックで（必要に応じて）やるべき処理をしていないこと。 ベースに関しては先ほどの音源とは、HPFの有無以外の違いはありません。結構変わりますよね。 HPFが入っていないと、これだけベースは下に伸びます。 低音が出たよ、やったね！……やったね！じゃない。 ベースの低域が無秩序に下に伸び続けてしまっているので、一番下に居るべきキックが窮屈な感じに。 このテンポだからまだいいですが、もっと早い曲だとぐちゃぐちゃになってしまいそう。 当然、そうなると存在感は減ります。存在感が減ると、目立たせるために無駄にボリュームを上げてしまったり、しなくていい処理を加えたりしてしまいます。ベースが居ていい帯域と、キックが居るべき帯域というのは割としっかり分かれていた方が良いと思います。 その方がキックを踏んでいる時とそうでない時のメリハリがついて、On/Offのはっきりした音になるので。じゃあどれくらいの位置にHPFを入れるのかというと。<figure><img src="https://images.microcms-assets.io/assets/047b05a376384d36949312d872026fd5/1283d035086648bda7d8c53dd0899c0d/240922-02.jpg" alt="" width="2560" height="1707"></figure>こんな感じ。 73.9Hzだそうです。結構高い位置に入っていますね。 ……いや、これでも私としては低めに抑えているのですが。ベースのローBは30.9Hzなので、根音すらカットしていることになります。 が、それでいいんです。このあたりにHPFを入れることで、50Hzくらいから下はちゃんとキックの領域として開け渡せると思います。巷には、低音楽器は低音が大事だからカットしちゃいけない、という雰囲気を感じるのですが。 そうじゃないんです。録り音や他の音に応じて、必要なことはしないといけない。サイドチェインコンプでキックが踏んだ瞬間だけベースを下げる、というクラブミュージックライクな手法もありますが、個人的にはそれをHR/HMでやるメリットはないと考えています。 その手法ではキックの音数が多いと、ベースが引っ込んだまま帰ってきませんから……。ちなみに、たまに誤解されているんじゃないかと思う瞬間があるのですが、HPFを入れるということは、その下がきれいさっぱり消えてなくなるということではありません。 80HzにHPFを入れるということは、それより下には用がないという意思表示ではないのです。というわけで、ここからベースにHPFを入れたのが次の音源。<h2 id="hb479778f4e">重心をコントロールできていないミックス</h2><div style="left: 0; width: 100%; height: 0; position: relative; padding-bottom: 56.25%;"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/HvHusss-pww?rel=0&amp;start=46" style="top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%; position: absolute; border: 0;" allowfullscreen scrolling="no" allow="accelerometer; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share;"></iframe></div>先ほどのテイクではベースのHPFを外していましたが、他にも低域の処理で大事なものを外しています。 キックの重心のコントロールです。今回のテイクは先ほどのものからベースのHPFを入れたことで、一応低域の棲み分けには成功した……かと思いきや。 キックの重心がやや高いので、やっぱり低域が窮屈です。基本的にミキシングでは、キックの重心からスネアの重心までのわずか100Hzほどの間にベースを収めないといけません。 頑張って針の穴を通すように居場所を作ったところで、そんな狭いスペースに収まるほどの存在感では、今のトレンドの音像と比べると物足りなくなるでしょうね。 であれば、どうするべきか。 簡単な話です。スペースが狭いと感じたら、広げてやればよいのです。それが、これ。<figure><img src="https://images.microcms-assets.io/assets/047b05a376384d36949312d872026fd5/18ae01d77dbe4d85ba351492897b4c1a/240922-03.jpg" alt="" width="2560" height="1707"></figure>100Hzなんて低域じゃないか！キックの低域をカットするなんて、なんてことをするんだ！ それに20Hzなんて再生できないし、ろくに聴こえない帯域じゃないか！ ……みたいな先入観は捨てましょう。 100Hzを0.5dBカットしたくらいで低域がいなくなったりしませんので。イメージはPultecのEQを使って、低域のブースト&amp;カットを同時に行う感じ。 EQがこういうカーブを描くと、重心が下がってくれます。 多分、こうすることでピークの帯域を少し下にずらす効果があるんでしょうね。 というわけで、特定の帯域をカット&amp;ブーストするという意図ではなくて、重心を下げるためのEQカーブでした。 ブーストしている20Hzという位置も、20Hzが良いというのではなく、Qの超緩いシェルビングみたいなカーブのブーストをしたいという意図。 敢えて重心高めのマイクを選んで使ったのですが、それでも予想より重心が低かったのでブースト&amp;カット量は少なめ。 必要だと思った場合には3dB以上ブースト&amp;カットしたりすることもあります。ちなみにキックのHPFは、もっと高い位置に入っています。 そう、キックにもHPFが入ってるんです。 入れなくても別にいいんですけど、入れなかった場合にはマスタリングのタイミングで何かしら「キックのための対応」が必要になってくるので、ミックスの段階でちゃんと意図通りの音になるようにしておくのが私のやり方。 キックより低いところには誰も居ないので、ここは「どれだけ下に伸びているか」の制御だけできればOK。こんな感じで、キックの重心を下げると冒頭の音源のようになります。 ベースのボリュームを下げることなく、しっかりキックとベースを同居させることができました。 これをすることで、キックからスネアまでの密集地帯の混雑を多少緩和できるので、全体的にも少し余裕のある音になってくると思います。<h2 id="ha0560aafa2">違いがわからないんだけど</h2>聴き比べてみたけど違いがわからないって？まぁYouTubeですし、圧縮音源になるのでスポイルされる部分はあるでしょう。 でも、違いがわからない場合は視聴環境の方に問題があると思います。 この違いがわからないと、正直モニタリング環境としてはキツい。むしろこの音源の粗が見えるくらいでないと……。こういった部分の制御は、個人的には密閉型のヘッドホンをお勧めします。 残念ながら、開放型や半密閉型ではわからないと思います。 そして、スタジオユースではない所謂高価格帯のヘッドホンも、個人的にはこの違いはわかりづらいものが多いかなと思います。私はこの分野では、もう長いことbayerdynamicのDT770PROを最も信頼しています。 他にはaudio technicaのATH-M50も結構わかりやすいかな、と感じました。 私がひとにお勧めするとしたらこの2つでしょうね。サブウーファーは難しいと思います。 ニアフィールドモニター一本よりも低域が出るのは確かですが、例えば今回のようにキックの重心を下げるべきかという判断をするのは難しい視聴環境だなぁと思います。<h2 id="h7324d9c607">おしまい</h2>余談ですが、今回のようにベースとキックを棲み分けるという視点以外に、全体的に曲に適した量を選択するという判断も必要になってきます。 このあたりはジャンルによっても結構変わってきて、例えばパワーメタルとスラッシュメタルでは結構量感が変わってきます。 HR/HMというジャンルに絞れば音数がひとつの判断材料になるかなと思うのですが、リファレンスを使わずに絶対的な判断基準を決めるのは難しいですね。というわけで、今回は低音の制御の話だけなので、これでおしまい。 もちろん、今回紹介した考え方や手法が唯一の正解ではありません。ジャンルによりますが、基本的にはキックとベースは同じ場所に詰め込まない方がいい。 これだけでも覚えて帰ってくださいね。

【コラム】ローカットは必要か？

普段レスポールばかり弾いている私ですが、他のギターを弾くこともあるんです。 今までに色々とギターを買ったり手放したりしてきましたが、最後に残ったのはレスポールと、このストラトでした。極論、ハムPUのギターとシングルPUのギターがあれば、一般的なイメージのギターの音の大半はカバーできると思っています。 ハムPUのギターといえば私にとってはレスポール一択なのですが、シングルPUのギターとして私の手元に残しておきたいと思ったのがこの一本。本当はストラトよりテレの方が好きなんですが（笑 汎用性という意味ではやっぱりストラトに軍配が上がりますね。そんな愛機のストラトに対して今回かなり大掛かりなリペアを施したので、その紹介も兼ねて記事にしてみます。<h2 id="h6257189875">このギターについて</h2><figure><img src="https://images.microcms-assets.io/assets/047b05a376384d36949312d872026fd5/72b424b67054409ba51ff68384661b02/240318-02.jpg" alt="" width="2560" height="1707"></figure>Original Intentionで使った記憶があるので、多分買ったのは2009年。 Fender USAのAmerican Vintageシリーズ、ラッカー塗装が薄いとかでThin Lacquerという名前が付いてましたね。 都内の楽器屋で57年モデルと弾き比べて、やっぱり私にはメイプル指板は合わないなぁということで選んだのがこちら。 指板以外のスペックも違うのでしょうが、なんかメイプル指板はアタック感が強すぎて私の好みじゃないんですよね……。 ハムPU+セットネックのレスポールがメインなので、シングルPU+ボルトオンのストラトが、さらにアタック感が強くなってしまうと違和感があるというか。私場合はOver The Rainbowのような様式美系HR/HMっぽいものを弾く時がメインですが、実はクリーンやクランチ寄りの音を出したい時などにも弾いていたので、意外と出番は多かったです。 例えばキャラメルクランチとか、ZYTOKINEさんのリミックス（リアレンジ）に参加させて頂いた時とか、そのあたりで使っていたことが多かったような。同じシングルPU系列でLes Paul Specialを使うことも多いのですが、歪ませてもクリーンさを残したい時はストラト、もう少し暗くて丸い音にしたい時はLes Paul Specialという感じで使い分けています。<h2 id="hb16e0f4259">改造点</h2><figure><img src="https://images.microcms-assets.io/assets/047b05a376384d36949312d872026fd5/1c61c2e6d9994fa687bfdb75fe391ba0/240318-03.jpg" alt="" width="2560" height="1707"></figure>オリジナルスペックのまま使ったのはOriginal Intentionのみで、その後はPUをTexas Specialに交換して使っています。 学生時代に買ったFender Japanのテレに乗っていたTexas Specialが結構好きだったので、個人的にはシングルPUというとTexas Specialが一番安心して使えます。 多分そのタイミングで1vol 1toneにも変更してますね、ボリュームポットが手に当たるのが嫌なので。その後ペグをGOTOHのロックペグに交換したり、フロント+リアのミックスを使いたくて、常にリアPUの音が出るスイッチを増設したり。 ……と、ここまでが現役時代の改造。 最近になってこのギターの気になる箇所がいくつか出てきたので、先日リペアショップにいくつかの改造を依頼しました。まず1つ目は、指板Rの変更。 American Vintageシリーズの指板Rはオリジナルを意識して結構キツめのカーブになっているのですが、それだと弦高を上げないとチョーキングで音が詰まる。それが結構嫌だったので、今回レスポールと同じ指板Rに変更してもらいました。 キツめの指板Rは意外と速弾きしやすいと感じるのでメリットもあるといえばあるのですが、やっぱりチョーキングと弦高がトレードオフになってしまうと厳しいですね。2つ目はブリッジの交換。 GOTOHのNS510TS-FE2に交換しました。その際一部ボディに干渉する箇所が出てくるので、その箇所の加工も依頼しています。 一番の狙いは、弦間を10.5mmにすること。元々11.3mmとかなり広めで、油断していると弦落ちするのが嫌だったので、ここもレスポールに合わせてしまおう、と。元々ヴィンテージリイシュー系のスペックでしたが、この改造でかなりモダン寄りのスペックになったと思います。 レスポールはオリジナルから大きなスペック変更はない印象なのですが、ストラトは弾き心地に直結する部分のスペックの変更があったんですね。 このギターを買った当時はそこを全く意識せずに選んでしまいましたが、これで弾いている時の細かい違和感や扱いづらさを軽減できるかなと思っています。<h2 id="h099ddba583">今後の予定</h2>これでストラトに感じていた不満が解消されたので、（リメイクですが）ストラトで録りたい曲が録れますね。 いくつか土台は作っているので、時間が取れるタイミングで少しずつ録っていこうと思います。

【ギター紹介】Fender American Vintage '62 Stratocaster 

もう一ヶ月以上経ってしまいましたが、<a href="https://www.izotope.jp/jp/news/vocal-mix-contest/" target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow">iZotopeボーカルミックスコンテスト</a>で最優秀賞に選んで頂いたミックスの解説をしようと思います。 さすがに自分の曲ではないので音源の公開はできませんが、音がなくても私が「何を考えてどんなことをしたのか」について触れることで少しでも参考になればいいなあと思いつつ。<h2 id="h114d1026bf">ファーストインプレッション</h2><div style="left: 0; width: 100%; height: 0; position: relative; padding-bottom: 56.25%;"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/u_Ecq45x7bM?rel=0" style="top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%; position: absolute; border: 0;" allowfullscreen scrolling="no" allow="accelerometer; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share;"></iframe></div>音源を聴いてみて真っ先に思ったのは、これは難しい音源だなぁ、ということ。 ダイナミックで抑揚のついた楽曲と、ウィスパー気味のヴォーカル。ポップスやロックなら曲のダイナミクスに合わせた抑揚をつけた歌い方もできますが、この歌い方だと声を張れなさそうなので難しいでしょうね。 なので、この曲に合わせた抑揚をミキシングで加えてあげる（というと語弊がありますね、ちょっと歌の抑揚のお手伝いをする感覚）必要がありそうです。あとは……そうですね、HR/HMじゃないから帯域の確保は楽そうだなぁ、とか……？（何 オケと2mixの間に音のミスマッチな印象は受けなかったので、必要以上にEQなどで加工する必要はなさそうです。<h2 id="he256936b39">歌のトリートメント</h2>歌に限らず、マイクで録ったものはだいたいトリートメントが必要になります。 今回はピッチ補正は要らなさそうだったので、ノイズ除去だけ。 たまたま今回のタイミングでiZotopeのRXを導入したので、iZotopeの動画をめっちゃ参考にしながらリップノイズや吹かれの補正をしてみました。<div style="left: 0; width: 100%; height: 0; position: relative; padding-bottom: 56.25%;"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/ezCVzhfvCbU?rel=0" style="top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%; position: absolute; border: 0;" allowfullscreen scrolling="no" allow="accelerometer; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share;"></iframe></div>実際には、混ぜる段階になってから気になった箇所もあって、ペンツールを使って後から書いたりした箇所もあるのですが。 基本的には動画で解説されていることをなぞっている感じ。他にはタイミングの補正も。 メインヴォーカルのタイミングはそのままで良さそうだなと思ったのですが、ハモリの方は音の頭と後ろをメインに合わせる形で補正しています。 こういう時はVocAlignが役に立つのですが、今回はうまく馴染まなかったのでAudioWarpを使って手動で。あとは、ところどころブレスが切れてしまっている箇所が気になったので、譜面の似た箇所からブレスだけ引っ張ってきて自然に聞こえるように修正しています。 ブレスは目立たなくすることを中心に考えがちですが、でもやっぱり人の声。息継ぎが存在することって大事だと個人的には思います。 といっても目立たせる意図はないので、Bress Controlで音量を落としたりはしているのですが。他にはディエッサーとかノイズゲートとか。 このあたりはいつもやるやつですね。わかりやすくて使い勝手がいいのでFabFilterを使っています。<h2 id="h12759bffc5">ダイナミクスの制御</h2><figure><img src="https://images.microcms-assets.io/assets/047b05a376384d36949312d872026fd5/2fe909a2bb4144878a1ea3a2756d62fe/20231009-02.jpg" alt="" width="2560" height="1707"></figure>ヴォーカルのダイナミクス制御には結構時間を掛けました。主にボリュームフェーダーを書くところ。 今回は曲の抑揚に合わせて歌にも抑揚を加える必要があるので、Cubaseのグループチャンネルを生やしてオーディオトラックの出力をそこに繋いで、2本のボリュームフェーダーを使って役割を分けてボリュームを書いています。 冒頭のスクショがそれです。一本のフェーダーで書き切ろうとすると絶対に混乱するので、こういうのはよくやります。 普通ならVCAフェーダーを使えばいいんですが、モノラルトラックはステレオ化したい派なので、だいたいいつもこんな感じのルーティングになってますね。あとは波形を切り刻んでるのもスクショからバレてますが、これは音符1つの単位で音量が気になったときに、その1音だけ音量を上げたり下げたりする用途。 コンプの手前で音量を弄るので、コンプの効き具合にも関係してきますね。コンプといえば、今回はコンプにFabfilterのPro-C2を使いました。 オプトモードでソフトニー、アタック開けまくってます。圧縮されたアタック感でコンプ臭さを出したくない時はいつもこんな感じ。とにかく今回は、歌とオケの抑揚の擦り合わせが重要。 プラグインのツマミを弄ってる時間よりも、ボリュームを調整している時間の方が遥かに長かったです。<h2 id="h2ac209df35">音色の調整</h2><figure><img src="https://images.microcms-assets.io/assets/047b05a376384d36949312d872026fd5/86651c54a1e04a2c9bbcd7947c241180/20231009-03.jpg" alt="" width="2560" height="1707"></figure>最初の方に書いたように個人的には、オケと歌の音色的な意味でのミスマッチ感はあまりなかったので、音色を大きく変えるような加工はあんまりしていないと思います。 高域を突いてキラキラな音色にしてもいいのですが、そういうことは意図していない、というのは曲とオケが語ってくれてますね。EQでやっているのはHPFとLPFを入れること。 印象を変える意図ではないのですが、超低域や超高域が残っていると意図しない聴こえ方になったり、ノイズなどの面でもデメリットがあるので、だいたいいつもカットしています。 あとはなんか息のかすれる感じが目立つ帯域をちょっと落としたりとか、中域の密度が気になるのでそこをちょっと落としたりとか。 私は基本的にEQはぐいーっとQを広げて使うので、EQ単体でOn/Offを切り替えてもそこまで音色が変わるような印象は受けないと思います。あとはPultec系のEQで超高域を広く薄くブーストして所謂エアー感とか言われるものを出したりとか、低域をカットしながらブーストして重心をちょい下げたりとか。音色の印象への影響力はこちらの方が強いかな。 OzoneのVintage EQはPultec系のカーブなので、こういう意図の時によく使います。あとは、Oxfrod SuprEsserで圧迫感のある中域をリダクションしたりとか、パートによっては低域の補正も。 これは音色の操作よりも、後述する空間表現のスペースの確保の方がメインの意図ですが。あ、あとSlate DigitalのRevivalで倍音をちょっと弄ったりしましたね。 意図して倍音をどうこうしたのはRevivalだけ。<h2 id="h1e894e0387">空間表現</h2><figure><img src="https://images.microcms-assets.io/assets/047b05a376384d36949312d872026fd5/b2c4a63ca51f499caf4cf60e47996d69/20231009-04.jpg" alt="" width="2560" height="1707"></figure>こういう曲調なので、空間表現にも結構気を使いますね。 普段は絶対やらない曲調なので、空間表現には結構悩みました。 EQでキラキラな感じにしていないのと同じく、リバーブも同じくキラキラした感じのものを使うわけにはいかないんですよね。そういう曲ではないので。最終的に、空間はディレイをメインに使う形で落ち着きました。 といっても明確にディレイの音が聴こえるような感じではなくて、曇った感じの残響音がふわっと広がっていくイメージ。 SoundToysのEchoBoyでテープエコー系を選んで、LPFとHPFをがっつり入れて、ディレイ音自体はオケに埋もれるような音色にして掛けています。 あとはトラックの役割や、オケの音数や圧に応じてモノラルとピンポンディレイ、ステレオディレイを使い分け。 目立たないんだけど響きはある、という状態を維持するように心がけました。もちろんディレイ単体では成立しないので、初期反射音と、隙間を埋めるようなホールリバーブも混ぜています。 最初はプレートを選んだのですが、途端にキラキラし始めたのでホールに変えました。あとは空間表現として大事にしているのが、モノラルの音源をモノラルのまま使わないこと。 モノラルの音って、人間が自然界の音を聞く分には存在しないですからね……。 CubaseのMonoToStereoを使って、少し左右に広げています。Colorツマミで重心も変えられるので、この手のプラグインの中では一番使いやすいかな……。 MonoToStereoでがっつりステレオ化するんじゃなくて、初期反射音とうまいこと混ぜて場に馴染ませる感覚でやっています。で、これで大体やったことは全部かな……と思ってたんですが。 どうしてももう少しだけ空間が欲しい、ということで、godspeed先生すまん……！と思いながらオケの中域を0.2dBくらいカットしました。 私の空間表現のやり方は中域を薄めにして、その空いたスペースに空間表現を盛り込んでいくもの。今回はオケの中域を0.2dB、空間表現のために借りさせてもらいました。<h2 id="h20f5a0dd27">マスターでの処理</h2>何もしてません！！普段からマスターでは何もしないので、いつも通り何もしてません。 1曲通して再生してみても音量には多少のマージンがあったので、マキシマイザー的なものも掛けてません。 その影響でラウドネスも-16LUFSには届いていなかったのですが、レギュレーションを見る限り「審査は一律-16LUFS Integratedに合わせて」くれるはずなので、届いていなくても問題ないだろうと思いまして（何<h2 id="hcbec2bf0d9">終わりに</h2><figure><img src="https://images.microcms-assets.io/assets/047b05a376384d36949312d872026fd5/68cb2856b708402191afe03223894773/20231009-05.jpg" alt="" width="2560" height="1707"></figure>だいたいこんな感じで、言うは易し、でも行うは難し……？ 実際に作業してみるとこれがまた難しくて。 プラグインを使った処理自体は、特別なことは全然やってないと思うのですが、どう聴こえるかを意識しながらひたすらボリュームフェーダーを触っていた記憶があります やっぱり何を使うか、どう加工するかも大事ですが、そういう部分も大事ですね。最後に、Twitterでは書いたのですが、こちらで改めて。 このようなコンテストを開催してくださったiZotopeとgodspeed先生、ありがとうございます。 ミックスで何が大事なのかを改めて思い出させてくれるような、難しくもやりごたえのあるコンテストでした。

iZotopeボーカルミックスコンテスト ミックス解説

先日公開した &lt;a href=&quot;https://www.crowsclaw.info/archives/5813&quot;&gt;The Lost Emotion 2022&lt;/a&gt; から導入している新ギター、Gibson Les Paul Studio w/Evertune。
2001年製レスポールスタジオのEvertune搭載Modです。
Mod済みのものを買ったのではなく、買って即Evertuneを載せた、という流れ。


&lt;h2&gt;経緯&lt;/h2&gt;

&lt;a href=&quot;http://www.crowsclaw.info/img/221225-02.jpg&quot;&gt;&lt;img src=&quot;http://www.crowsclaw.info/img/221225-02-1216x811.jpg&quot; alt=&quot;&quot; width=&quot;1216&quot; height=&quot;811&quot; class=&quot;alignnone size-thumbnail wp-image-5820&quot; /&gt;&lt;/a&gt;

私はミディアムスケールに09-46ゲージという組み合わせが好きなのですが、正直ピッチの正確さを求めるとちょっと細いかなとは思っていました。
でもチョーキングを多用するプレイスタイルなので、10-46だとちょっと厳しい。

ロングスケールのギターへの乗り換えを考えた時期もありましたが、Evertuneなら手に馴染んだレスポールの感触のままピッチの問題を解消できるのでは、と考えまして。覚悟を決めてEvertuneを載せました。
ただ、手持ちのレスポールに穴を開けるのはさすがに躊躇ったので、新たにLes Paul Studioを導入。改造用の素体になってもらいました。

ちなみに改造の際は、オフィシャルインストーラーのCombat Guitarsさんにお世話になりました。
在庫の確保から始めるそうなのでそれなりに時間は掛かりますが、耳触りのいいことだけを言うようなところではないので安心して預けられると思います。
工賃もそれなりに掛かりますが、ボディに風穴開けてブリッジ載せる代金としては割と安いのでは、という印象。

&lt;h2&gt;Evertuneを使ってみた感想&lt;/h2&gt;

全然ピッチ狂わない。すごい。
そのためのパーツなのでそうなってもらわないと困るのですが、実際にピッチの狂わないレスポールというものに触ると感動します。
シャープしがちなローコードや、際どい押さえ方のコードも全然平気。
今までは結構気を使わないといけなかったり、SCUDのSOS-EG1を試してみたりもしたんですが、Evertuneだとそんなことをしなくてもまったく気になりません。

[youtube]&lt;iframe width=&quot;560&quot; height=&quot;315&quot; src=&quot;https://www.youtube.com/embed/qdLCrC9XyV0&quot; title=&quot;YouTube video player&quot; frameborder=&quot;0&quot; allow=&quot;accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture&quot; allowfullscreen&gt;&lt;/iframe&gt;[/youtube]

ベンドができるとかできないとか、色々話題になっていますが、普通のギターと同じ感覚でベンドできるセッティングにすることは可能です。
ビブラートまで違和感なくできるようにしようと思ったら、機構がピッチを保ってくれるギリギリのところまで調整する必要がありますが。
ちょっと強く押さえた程度では音程は変わらないけど、意識して強く押弦したらシャープする、くらいの塩梅。

そのギリギリのところまで詰めるにはそれなりに手間が掛かります。
が、手間さえ掛ければ左手の力加減を気にせず普段通りにプレイできて、しかもピッチも安定するので、やはり良いものです。
オクターブも合わせた状態で、どのフレットを押さえても正しいピッチになるというのは結構感動もの。

バネの鳴りやらザグったことによる音の変化とかは、ぶっちゃけまったく気になりませんでした。
元々Evertuneを載せるつもりだったので買ってすぐに工房に出してしまい、元の音は覚えていないのですが、手元の他のレスポールと比べても違和感はないですね。

&lt;h2&gt;ダウンチューニングとEvertune&lt;/h2&gt;

Evertuneというとがっつりダウンチューニングするモダンなメタル向けという印象が強いですが、既に書いた通り私の導入意図はそこではありませんでした。
ロングスケールと比べてテンションの稼ぎづらいミディアムあるいはショートスケールで、ゲージを変えずにピッチを安定させられること。
私が一番魅力に感じた点はそこでした。
（実際にはショートスケールだとテンションが弱すぎて、ノーマルのEvertuneでは厳しそうな気がしますが）

単にダウンチューニングでピッチを安定させたいというだけであれば、バリトンギターを推します。
私もダウンチューニング用には自称28インチ（実際にはおそらく27.78インチ）のバリトンレスポールを使っていますが、そちらは特にギミックを仕込まなくても10-52でドロップBまで下げて安定しています。

&lt;h2&gt;Evertuneを載せる時に気をつけたいこと&lt;/h2&gt;

ギターを受け取った時に聞いたのですが、Les Paul Specialの場合ボディの厚みが足りないので、調整の時に不具合が出るおそれがあるとのこと。
次はSpecialに……と思ってたのでこれはちょっとショックでした。
仕方ないのでSpecialの方はゲージを一回り太くすることでピッチの問題は解決しようかな、と。
まぁSpecialの方でリードを取ることはないので、多少弦が太くても気にならないでしょう。

私のようにStudioをEvertune化する場合、ボディの厚みやウェイトリリーフの入り具合にも気をつけて素体を選んだほうが良いかもしれません。
ちなみに、CustomではなくStudioを選んだ理由は、まぁ単純に値段なんですが。
まぁ、元からEvertuneの載っているギターを買うのが一番手っ取り早いんですけどね。

&lt;h2&gt;その他の改造&lt;/h2&gt;

&lt;a href=&quot;http://www.crowsclaw.info/img/221225-03.jpg&quot;&gt;&lt;img src=&quot;http://www.crowsclaw.info/img/221225-03-1216x811.jpg&quot; alt=&quot;&quot; width=&quot;1216&quot; height=&quot;811&quot; class=&quot;alignnone size-thumbnail wp-image-5821&quot; /&gt;&lt;/a&gt;

他の箇所は私のいつもの改造。
PUはEMGで、リア81+フロント58Xの組み合わせ。やっぱりこれが一番落ち着きます。
58Xはちょっとゲインが低めなので、イメージ通りのバランスになるようにPUの高さで調整したいところですね。
85の方が元気に歪むので弾きやすいですが、58Xの方が歪ませてもクリアな質感が出せるので気持ちいい。

ペグはGOTOHのマグナムロック。
Evertuneとロックペグの相性が不安だったので手動ロックするタイプを載せたのですが、どうやら普通のマグナムロックでも問題なかったみたい。

その他、クロームパーツのものはできるだけブラックパーツに変更しました。
いくつかブラックパーツが手に入らない箇所（ピックガード固定用の金属パーツなど）はクロームのまま。
気が向いたらどこかでブラックメッキしてもらうかもしれません。

【ギター紹介】Gibson Les Paul Studio w/Evertune

歪んだギターの壁が左右にそびえ立つHR/HMは、あらゆる音楽の中でもミックスの難易度が高いジャンルのひとつだと思います。
ただでさえ音数が多いのに、左右の帯域リソースを歪んだギターが埋めてしまうので、真っ当なやり方で棲み分けるのはほとんど不可能に近い。

今回はそのHR/HMのギターを私がどんなやり方で混ぜているのか、このジャンルのミックスではマストで習得しなければならないM/S処理を中心に、動画も交えて解説します。

話のストックがないので、山の話は緊急事態的なアレが終わるまでは書けません。
山サイトなのに……


&lt;h2&gt;トラック単位でやる処理&lt;/h2&gt;

&lt;h3&gt;ノイズゲート&lt;/h3&gt;

&lt;div class=&quot;youtube&quot;&gt;
&lt;iframe width=&quot;560&quot; height=&quot;315&quot; src=&quot;https://www.youtube.com/embed/-YuIdBBjycg&quot; frameborder=&quot;0&quot; allow=&quot;accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture&quot; allowfullscreen&gt;&lt;/iframe&gt;
&lt;/div&gt;

いきなり解説から入ってきますが、まぁノイズゲートに関しては適当に。
丁寧に波形をスライスするのは手間なので、無音部のちょっとしたノイズが消せていればなんでもいいです。
ハイゲインアンプの場合は、これに加えてアンプの前でもノイズゲートを掛けておいた方が後の処理が楽になりますね。

素の音はこんな感じ、という感覚で聴いてもらえればと。

&lt;h3&gt;ブリッジミュートした時の低域を抑える&lt;/h3&gt;

&lt;div class=&quot;youtube&quot;&gt;
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&lt;/div&gt;

Oxford SuprEsserを使って、ブリッジミュートしている時だけ特定の帯域にコンプを掛けます。
有名な、所謂Andy C4セッティングですね。
&lt;strong&gt;ブリッジミュートした時の低域の膨らみを抑える&lt;/strong&gt;のが目的なので、私の場合、それ以外のフレーズではリダクションしないように調整しています。
曲中にブリッジミュートするフレーズが出てこない時は使いません。
EQとして掛けるわけではないので、リダクションしていない時は音色を変化させないのが基本。

SuprEsserがなくても、リニアフェイズなマルチバンドコンプで代用できます。
Andy C4というくらいなのでWavesのC4が有名ですが、あれはリニアフェイズで帯域をスプリットしていないのでお勧めしません。

&lt;h3&gt;ダイナミックEQで他の楽器と棲み分ける&lt;/h3&gt;

&lt;div class=&quot;youtube&quot;&gt;
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&lt;/div&gt;

静的なEQでも別にいいんですが、静的なEQだと「常に同じ量のリダクションが掛かり続けている」状態。
それだと奥に引っ込む印象があって個人的にあまり好きではないので、基本的にDynamic EQで形を作っていきます。
掛かりっぱなしになるようにセッティングしてるので、静的なEQでも大差ないと思いますが。

コツはQを広く取ること。
ノッチフィルター的なQの狭いEQは、触ったところの近くの帯域が目立って聴こえてくるので、ギターに対しては基本的に使ってません。

どこを狙うかは好みに応じて……という感じ。
&lt;strong&gt;他の楽器の邪魔になる帯域をカット&lt;/strong&gt;していくことになると思うので、他の楽器を聞かないと何とも言えません。
ですが、主にギターが邪魔するのは主旋律とリバーブ成分になると思います。

Qが広いので全帯域に掛かってるように見えるかもしれません。
そう見えるならきっとそうなんだと思います。

静的なEQなら、LとRまとめて掛けて問題ないですね。
Dynamic EQの場合は入力音量に応じて得られる効果が変わるので、トラックごとに掛けないとダメ。

&lt;h3&gt;その他&lt;/h3&gt;

基本的にはこれだけ。これだけで済まない場合は録り直した方が早いです。
そこまで録り音を追い込むのが一番大事。
最近はKemperとかがあるので、何も考えなくていいのが楽ですね。
私は&lt;a href=&quot;https://gum.co/cckp01&quot; target=&quot;_blank&quot; rel=&quot;noopener noreferrer&quot;&gt;自作のRig&lt;/a&gt;を使っています。

&lt;h2&gt;M/S処理&lt;/h2&gt;

&lt;h3&gt;M/S処理でやること&lt;/h3&gt;

ミックスでやることには全て理由がないといけません。
ゴールの見えないやり方でM/S処理をしても、期待するような効果を得るのは難しいんじゃないかと思います。
というわけで、まずはゴールを定めないといけませんね。

HR/HMのミックスで一番ネックになるのは、最初に書いた通り左右のギターの壁。
休符以外のタイミングでは常にあらゆる帯域を占有してしまい、他の音が入り込む余地を残さない史上最悪の楽器です。

しかしHR/HMである以上、そのギターの壁の存在感はしっかりと残しつつ、他の音が入り込む余地を作らないといけない。
もちろんEQだけでもある程度の隙間を作ることはできますが、充分ではありません。

そんなわけで、ギターのM/S処理におけるゴールは、&lt;strong&gt;存在感は残しつつ他の音が入り込む余地を作ること&lt;/strong&gt;です。
無茶難題ですね。

&lt;h3&gt;ギターにM/S処理をする時のモニタリング&lt;/h3&gt;

&lt;div class=&quot;youtube&quot;&gt;
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&lt;/div&gt;

具体的なM/S処理の前に、まずはモニタリングの仕方について。
ミックスでM/S処理をする時は、トラックを&lt;strong&gt;ソロで鳴らしてモニタリングするのは厳禁&lt;/strong&gt;です。

ソロで聴いていると、定位感を把握するのが非常に難しい。
ソロで鳴らしていると「弄れば弄るほど定位感が失われて中央に寄っていくように聴こえる」んですが、実際には他の楽器も加わるとそうではなくなってくるので。
このギャップはヘッドホンやイヤホンだと特に露骨に出てくると思います。

特にHR/HMのギターは左右に振り切った状態で鳴らすので、それと対になるように、センターで鳴る楽器と、あとは左右のリソースをいっぱい使う楽器も一緒に鳴らしながら確認していきます。

というわけでここから先は、ドラムとベースも一緒に鳴っている状態で撮っています。
幸いこの曲はイントロが左chのギター1本、そこからベースが入ってドラムが入るという展開。
M/S処理をした音に他の楽器が加わると聴こえ方がどう変化するか、というのも参考にしながら聴いてみてください。

&lt;h3&gt;マルチバンドステレオイメージャー&lt;/h3&gt;

&lt;div class=&quot;youtube&quot;&gt;
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&lt;/div&gt;

ここから先はあくまで私がよくやる一例でしかないのですが、具体的な処理の解説に入ります。
まずはマルチバンドステレオイメージャー。いきなりギターのM/S処理の核になる処理から入ります。
ここでやるのは完成形を見据えて&lt;strong&gt;ギターが居ていい場所と、ギターが邪魔してはいけない場所を分ける&lt;/strong&gt;こと。

まずはギターの居場所を確保したい。
中央付近の低域にはキックとベースとスネアがいるのでやや混雑してますが、幸い左右の端の方にはギターの他に鳴る音は多くない。
シンバルの下はカットしてしまいますし、タムは打楽器なので音量さえ出ていればギターにも負けません。
ここはギターの居場所を作るチャンス。ローミッドのあたりかな、がっつり広げていきます。

次に、他の音が入り込む余地を作りたい。
中域はありとあらゆる楽器がひしめく過密エリア。
ギターのこのあたりの帯域はとにかく目立つ上に、中域のSide側にはリバーブ成分も居ます。
なのでギターのハイミッドには、ちょっと真ん中に引っ込んでもらうことにしましょうか。

そして、上に行くにつれて窄まっていくような音像にしないために、中域を引っ込めた分、高域は少し広げてやることにします。
HR/HMでは意外と混雑してないし、ちょっと広げてもあんまり問題にはならないエリア。
Side側を強調すると、ちょっとざらついた感じのクリスピーな音になりますね。
まぁ高域は割と適当なんですが。

&lt;a href=&quot;http://www.crowsclaw.info/img/210123-01.png&quot;&gt;&lt;img src=&quot;http://www.crowsclaw.info/img/210123-01-1216x684.png&quot; alt=&quot;&quot; width=&quot;1216&quot; height=&quot;684&quot; class=&quot;alignnone size-thumbnail wp-image-3713&quot; /&gt;&lt;/a&gt;

アナライザー映してると動画がすごい汚くなっちゃうので変えてしまったのですが、実際に私がやっているセッティングはこんな感じです。
後述するHPFやLPF、EQと合わせて初めて完成するものなので、このセッティング単体で掛けてもイマイチかも。

&lt;h3&gt;フィルタリング&lt;/h3&gt;

&lt;div class=&quot;youtube&quot;&gt;
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&lt;/div&gt;

ギターにHPFとLPFは必須です。
Side側の低域がダダ漏れだと締まりが悪い音になるので、HPFの位置はSide側を少し高めに設定しておきます。
高域は適当です。個人的な感触として、MidよりもSide側を少し高めに設定しておくと収まりがよく感じるかな。

EQはDMG AudioのEQualityをずっと使っています。これ以外を使う気が起きないくらい。
M/S処理もできるんですが、Mid専用機とSide専用機の2つを用意しないといけないのがちょっと面倒かな。
今回の動画では左がMid、右はSideを担当しています。

M/SでEQを掛ける時は絶対にリニアフェイズEQを使ってください。
なぜそれが必要なのかは以前書いた記事を参照。

https://www.crowsclaw.info/archives/351

&lt;h3&gt;M/S イコライジング&lt;/h3&gt;

&lt;div class=&quot;youtube&quot;&gt;
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&lt;/div&gt;

M/S EQは音色を変えるのではなく、特定の帯域の密度や広がりをピンポイントで制御するのに使います。
ステレオイメージャーで作った形を整えてやる感じ。
ハイミッドの密集地帯に一箇所、Side側の隙間を作ってやることで空間表現ができる帯域を確保。
ローミッドは主旋律やスネア、ベースが集まる帯域にMid側の隙間を作って主要な楽器の居場所を確保しました。

&lt;h3&gt;ギターのM/S処理のコツ&lt;/h3&gt;

&lt;div class=&quot;youtube&quot;&gt;
&lt;iframe width=&quot;560&quot; height=&quot;315&quot; src=&quot;https://www.youtube.com/embed/zcm92t2ammc&quot; frameborder=&quot;0&quot; allow=&quot;accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture&quot; allowfullscreen&gt;&lt;/iframe&gt;
&lt;/div&gt;

M/S処理というと左右に広げて真ん中に隙間を作りたい、っていう意識が先行しがちですが。
ギターの場合、意外とポイントになるのはSide側を狭めてやることだったりします。
Side側には実音以外の残響成分などが多く居るので、そこがギターで埋まると一気に空間が狭くなります。

しかし他の楽器に応用が効くかというと……（笑
ギター以外でM/S処理を積極的に使う場面はあんまり思いつきませんね。

M/S処理といってもM/Sコンプは使いません。使うと死にます。
理由は以前書いた記事を参照。

https://www.crowsclaw.info/archives/343

&lt;h2&gt;締めの一言&lt;/h2&gt;

こういう具体的なミックスでのM/S処理のTipsはほとんど見かけないので、未だに答え合わせができていないのが現状。
ですが、私はこの手法でようやく自分なりに納得できる音が出せるようになったので、たとえ正解とは違っても別にいいかなと。
正解の数はひとつではないですが、Andy SneapやAdam Dutkiewiczあたりが好んでこの音像を使ってる印象。

初心者の方からすると、ちょっと難しい視点で考える部分が多いかもしれません。
ですが、ちゃんと理解して効果的にアプローチできるようになれば、M/S処理をミックスに導入するメリットは大きいです。

M/S処理は音像や定位が崩れると言われることも多いですが、そもそも音像も定位も崩すのが今回の目的。
それさえ理解してさえいれば派手に間違えることはないんじゃないかなと思います。

コラム：HR/HMのギターのミックスとM/S処理の活用

書くと言いつつ書いてませんでした、YAMAGENさんのハンドメイドOD、&lt;a href=&quot;http://devileliet.webcrow.jp/wp/2017/04/01/pracevo-effects-%E6%96%B0%E4%BD%9C%E3%81%AE%E3%81%8A%E7%9F%A5%E3%82%89%E3%81%9B/&quot;&gt;TSCC-01&lt;/a&gt;について。明日はどうやらM3らしく、増産したそうなのでYAMAGENさん支援も兼ねて記事にしてみます。ちなみにYAMAGENさんとこの新譜情報とかは&lt;a href=&quot;http://devileliet.webcrow.jp/&quot;&gt;YAMAGENさんのサイト&lt;/a&gt;にて。スペースは 第一展示場 Q-22a らしいですよ！http://www.crowsclaw.info/archives/1126以前こちらで記事にしましたが、その時に「いずれこっちにも纏めようと思います」とか言っておきながら結局何もしてませんでした。……というわけで、今日はTSCC-01について&lt;b&gt;今更&lt;/b&gt;詳しく書いてみようと思います。&lt;h2&gt;サウンドデモとか&lt;/h2&gt;以前録ったものですが、一応再掲しておきます。<div style="left: 0; width: 100%; height: 450px; position: relative;"><iframe src="https://w.soundcloud.com/player/?visual=true&amp;url=https%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Fplaylists%2F307877212&amp;show_artwork=true" style="top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%; position: absolute; border: 0;" allowfullscreen></iframe></div>&lt;h2&gt;コンセプト&lt;/h2&gt;一言で歪み系ペダルといってもバリエーションは多いですが、TSCC-01は「アンプの前段にHPF/LPFとして経由させるペダル」という用途をメインに考えて作られています。一応、私のシグネチャーというコンセプトで始まったOD作り。ですが、その「アンプの前段に噛ますODペダル」としてベストな1台を目指すというところに落ち着いていると思います。アンプの前段に嚙ますODペダルの役割については&lt;a href=&quot;http://www.crowsclaw.info/archives/910&quot;&gt;過去の記事&lt;/a&gt;を参照。音の方向性とかはYAMAGENさんと相談しながら微調整していましたが、好みが一致していたのでスムーズでした！強烈な個性が欲しかったのではなくて、とにかく良いものが欲しいという感じ。キャラクターとしては割と普通ですが、後述するコントロール部分で自由に変えられるペダルだと思います（特に低域と高域）。&lt;h2&gt;機能とか&lt;/h2&gt;基本的には一般的なODと同じだと思います。クリッピングの選択なんかはブティック系のメーカーでよく見かける機能ですね。個人的にはシリコンダイオードでクリップするのが一番好きです。元の音からは一番キャラが変わりますが、この音色が欲しかったんだって安心できるタイプ。様々なアンプ/キャビネットのキャラクターに合わせて細かい調整ができるよう、通常のToneツマミだけでなくHPFツマミも追加しています。低域をどの程度出すか/絞るかというのを自分の意思で設定できるようにすることで、アンプ側の歪み方をより細かくコントロールすることができると思います。強いて言うとしたら、インプットインピーダンスを弄るツマミがある、というのが変わり種ポイントでしょうか。&lt;h2&gt;拘りの増幅率&lt;/h2&gt;増幅率は結構多めなので、単体でも結構しっかり歪ませられると思います。が、私が拘ったのはむしろ逆の方。Gainツマミをゼロに絞った時には等倍=ほぼ歪まない、というのが私の要望。どういった使い方を想定しているのかというと、ゲインアップは特に求めていないけどODペダルのフィルタリングだけは欲しいという場面。例えば……。クローズドバックなスタックアンプしかないのだけど、どうしてもコンボアンプ風の中域に寄った感触が欲しい時とか。オープンバックの開放感のあるキャラクターまで再現するのは不可能ですが、クローズドバックゆえに低域や高域に散る感じはODペダルである程度解消することができます。が、一般的なODペダルではゲインをゼロまで絞ってもクリーンにはならない。どうしても不要な歪みが掛かっちゃうんですよね。「クリーンブーストが可能」と言われるOD-820proも、完全なクリーンではありません。TSCC-01だとほぼクリーンなので、まったく歪ませずにODペダルのキャラだけを得るということができます。以前からOD-820proでゲイン絞ったりして使っていたので、この部分はすごく重要でした。想像以上に良かったポイントのひとつなのでベタ褒めしたいところ！&lt;h2&gt;インプットインピーダンス可変ってどういうことよ&lt;/h2&gt;インピーダンスはロー出しハイ受けが基本、とはいいますが。実はインプットインピーダンスの値によって、音はほんのちょっとだけ変わってきます。以前、こんな実験をやったことがありました。http://www.crowsclaw.info/archives/154他にもFocusriteのマイクプリなんかはインプットインピーダンスを選べたりしますね。本来はリボンマイクのように特殊なマイクを使うことを想定してのことだと思うのですが、キャラがほんのちょっと変わるので遊べるポイントでもあったり。理論的にはどうあるのが理想なのか、みたいなのは正直私にはよくわからないです。が、音が変わるということはコントロールできる要素が増えるということ。ODペダルにも付けたら面白いんじゃない？と提案したら通りました。実際には、ほとんどその効果はわからないと思いますが。でも収録の際にマイク越しに自分の音を聴いてみると、ほんのちょっとキャラが変わることに気づくはず。それをコントロールできるのがこのツマミというわけです。&lt;h2&gt;実際に使ってみて&lt;/h2&gt;ぶっちゃけて言うと、これのプロトタイプが完成した時からずっとこのOD使ってます。もう他のODには戻れない……。ノイズも今まで使っていたペダルと比較して少ないと感じましたし、録り音もこのペダルの時の方が良い感じ。私が拘った部分が利便性や音の選択肢にダイレクトに反映されるので、個人的にはコレ以外っていう選択肢はもうないですね！

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